3er día Santiago Fashion Week 2015

El último día de Santiago Fashion Week fue el sello de una jornada llena de sorpresas y buenas predicciones. La despedida de Rubén Campos sonaba en las conversaciones como un zumbido de panal, nadie parecía decir donde estaba con certeza pero se encontraba ahí. Con el Centro Cultural Palacio de la Moneda abierto de par en par, la semana de la moda santiaguina llegaba a su fin.

Desde la aparición de los alumnos de la Udla hasta el ramillete de rosas entregado por Manuel Figueroa al hoy retirado Rubén Campos, Santiago Fashion Week terminó por ser’ un evento memorable y sobre todo porque los anteriores habían sido un poco más que pusilánimes.

Drástica hasta en la última puntada, Valeria Salinas presentó su colección inspirada en las aves del sur. Con materiales nobles como el lino, el algodón y el cuero compone un paño cortado con precisión y puesto sobre el cuerpo como una coraza donde cada costura no se esconde y  como en las columnas de una iglesia, quedan a la vista dibujando una silueta sin sobresaltos. Emocional y matemática, la diseñadora crea un trabajo de calidad y atemporal.  

Maria Elena Villamil nos hace participes de un dialogo acerca de la construcción-deconstrucción de la ropa, sin la resolución del origami, la diseñadora crea volúmenes y abstracciones con una silueta puesta en la alta cintura y donde los pequeños detalles como unas mangas abiertas y sobrepuestas daban por terminada blusas de seda blanca. Un hilo conceptual llevado a cabo co una rigurosidad artística, la diseñadora recrea una historia más ligada a la escultura textil que al patronaje tradicional.

Ruben Campos salió a pasarela recibido por una ovación. El diseñador presentó una recopilación de su célebre modo de construir sus vestidos, cientos de piezas componen como una muralla siluetas exquisitas en brocados, cueros y sedas. Suntuoso, define un lujo olvidado, un lujo ochentero y  noventero y que encuentra su clientela siempre fiel. Junto a mí, un ejemplo de ello, una clienta que se despidió del sr. Campos diciendo  “… Nadie es como Rubén…”. Y le creemos, con su salida se ven en el ocaso el diseño que brotó en dictadura y que hoy por hoy parece más del pasado que del actual ejercicio de crear y dialogar de moda. Con ellos muere su marca y su sello… Cabe preguntarse si alguien tomará el control de ese proyecto y lo levará a cabo hasta convertirlo en una marca, sin embargo ese aire parece soplar en otras latitudes, la inmadura cultura no nos permite dilucidar originalidad, identidad y negocio en el mismo emprendimiento.

Llega a su fin Santiago Fashion Week cosechando una pequeña victoria, logran encaminarse hacia la visión de una industria contemporánea y con ideas globales. El diseño parece, como siempre, ir mas adelante cimentando el camino de cualquier evento. No es necesaria una modelo, no es necesario un dj, importa que la pasarela esté llena de ideas, trabajo y ambiciones que cumplir. 

Santiago Fashion Week P/V 2014-2015

Del alicaído evento sólo queda el recuerdo. Hoy por hoy Santiago Fashion Week parece haber encontrado un norte respecto a la promoción, difusión y responsabilidad sobre el diseño local. No es menor, ostenta un titulo que a todos atañe y por lo mismo cernimos opinión sobre el mismo. Dicho de otro modo, hacer pública una acción creativa es entregarla al escrutinio plural. Albergados nuevamente en el CCPLM, SFW da inicio a lo que podríamos empezar a considerar una Semana de la Moda.

Los alumnos del instituto Inacap influenciados por el sportwear neoyorquino, los maestros japoneses y un aire contemporáneo fresco y saludable hicieron de la pasarela un espacio para mostrar que la nueva savia del diseño local tiene su cabeza puesta en el hacer global con un revival latinoamericano de concebir la moda como un producto de calidad. Calidad patente en, por ejemplo, la confección, pieza clave para hacerse de clientes estables que sean las piernas que sostengan el emprendimiento personal.

“No mas abuso” era la premisa con que la tienda-colectivo Porquetevistes abrió su pasarela y con un mix de sus más fértiles talentos, el Browns criollo siembra cátedra de una moda visceral. Un grito en pasarela con fuerza, vigente y haciendo de la moda un dialogo, una historia con trasfondo social, económico, cultural y a ratos tecnológico. Honesto, plural y global.

A de Antonio se re articula en sus básicos. Sofisticado, hace ropa para todos pero no para todos. Con una visual monacal del vestir y una arquitectura amplia, sencilla y dramática. A de Antonio es extravagante y es en su levedad donde se encuentran los cuestionamientos abiertos que construye a través de una estética depurada, actual y consecuente.

El segundo día, Daniela Bozza se presenta con una colección ambiciosa, en blanco y negro como un juego de positivos y negativos. Una prestancia con una idea conceptual centrada en la elegancia de una silueta con tensión en la cintura. De seguro Bozza traza sus ideas imprimiéndoles una actitud femenina, classy y “Lady Like” como reseñaba, a modo de resumen el tweet de una página local de moda. Con detalles en la confección de algunas piezas, Daniela Bozza entra a un calendario con una apuesta madura.

Hay que dividir aguas en cuanto al diseño y la moda, una es ambas pero el diseño no siempre es moda y posiblemente Matias Hernan acapara las dos. Nadie en la escena local está produciendo mas moda que MH y ayer quedó demostrado en un desfile cuyo eje era la recopilación del momento actual en que vivimos y traspasarlo a piezas arquitectónicamente armadas como bloques de información. Glorificación de logo MH, maxi texturas, estampados vintages y una esencia sexual-brutal hacen de la colección Corpus NN una mirada particular del diseño de indumentaria. Diversifica Hernan su propuesta en una línea de lentes de sol, conjuntos rearticulables, piezas combinables y una profunda convicción en una nueva silueta. Matias Hernan deja de ser el ganador de Proyect Runway, que hoy día parece ser presentado como si fuese un doctorado en CSM(Central Saint Martins) para transformarse en una marca de moda.

Actual, real y concreto,  el escenario chileno se reinventa y se pone en un podio particular. Avanza una industria peculiar y dispar pero donde cada trabajo imprime un sello cada vez mas identitario diverso y con personalidad. 

TEXTO: NICOLÁS CASTILLO @dinico_
FOTOS: RENE DE LA CRUZ  @renedelacruzcl

No Somos

Refrescante… por decirlo un modo amplio, fue la presentación en pasarela de las micro colecciones que los diseñadores de Porque te vistes presentaron en Teatro Italia el día sábado 18.

Tales micro colecciones eran un desprendido, un desglose de información de una colección amplia. Se presentaron estos resúmenes con el objetivo de encantar y comenzar una huya de dudas a partir del gran relato que conforman cada colección.

Un” maximalismo sport” estuvo presente en todas las líneas vistas. Maximalismo porque en ellas se contenía una suerte de depurada información que hacían presentes en retículas, estampados, sublimados, bordados. Todo hecho con muy buen oficio. Más es más y eso es suficiente para entender la jerga pictórica usada por Celestino en su blusa de escudo pixelado.

 Maximalista fue la arquitectura con que Piso 12 monto sus pequeñas piezas de tela, ensamblándolas para componer una silueta en vestidos breves y actuales con un referente decó en su visual.

 Un zoom a la arena, un zoom al mar del sur es el que mostró Daniela Hoehmann para Roberta en gratas blusas damasco cuyo sublimado eran deformes y orgánicas figuras hechas a partir del acercamiento al grano de tierra en alguna playa sureña.

 Maximalista fue la propuesta de Sebastián del Real que se desprende de su colección Hydrangea, contemporánea, atípica, romántica y profundamente personal acerca del relato de una planta que está presente en casi todo jardín chileno y por ende presente en ese relato perenne que conserva los hitos del recuerdo que cada uno guarda. 

Lloica, lo presentado por Valeria Salinas, era sin duda una muestra de esa conceptualización radical llevada a cabo con maestría, simpleza y un oficio que habla de la calidad con que fueron tratados materiales dispares como la seda, el cuero, la viscosa y el poliéster.

Lo sport pude sonar a un adjetivo calificativo de calle, de uso cotidiano, de simpleza y comodidad, sin embargo, hoy por hoy, hablar de sport es más una actitud frente al vestir y una actitud del diseñador frente a su obra. Hablar de sport nos conecta con esa satisfacción de la ropa que nos gusta sin pensar en la ocasión, sino en la oportunidad.

Como pequeñas muestras de colección de pre temporada, el desfile  “No somos”  abre la curiosidad acerca del relato general que cada diseñador expondrá. Con certeza decimos que será sorprendente la panorámica final.

Texto : Nico Castillo

Fotografias : René de la Cruz

EL DESFILE COMPLETO EN  https://www.facebook.com/media/set/?set=a.345913225588977.1073741872.162951550551813&type=1

Santiago D Moda. Día 3

La concurrencia para el tercer y último día de Santiago D Moda fue tan variada y tupida como los participantes de la pasarela. Sin embargo fue el brillo del hilo de seda que se llevó los aplausos más sinceros de todos.

Sin perseguir una moda puntual, Patricia Barrera impresionó por una colección de tal pureza que difícilmente podría ser olvidada tanto por la calidad de su manufactura así como el gusto por materiales nobles. Cueros en abrigos y chaquetas y telares y tejidos en hilos de seda para el resto de la colección.

Con más de 25 años en la producción de indumentaria, participación pasarela Cibeles y con showroom ubicado en Alonso de Córdova, la diseñadora Patricia Barrera hace trabajar a mas de 20 artesanas para crear una línea indisoluble entre diseño, fibras naturales y exclusividad. El trabajo artesanal es palpable en las terminaciones en deshilachados, teñidos y nudos que conforman una propuesta atemporal, llena de vida y sumamente exquisita.  

Abrió un vestido blanco perla, propio del destello del hilo de seda, con detalles en los hombros y el ruedo cuya fortaleza era hacernos entender la pureza con que es tratado el material, distintas opciones en su manejo y la destreza con que esas combinaciones se mezclan para dar por resultado una propuesta fresca, usable y visiblemente cómoda. Hubo acentos en ropa de día con personalidad vibrante y una silueta clásica. Cerró un vestido cobalto muy “BoHo” pero a la vez con la personalidad suficiente para no ser encasillado.

Vemos Missoni como referente global en el tejido pero sin darnos cuenta en como la producción local hace un aporte importante al uso de un entramado noble y capaz de seducir a un rango etario plural y de establecer un diálogo entre el material, su manufactura y una apuesta contemporánea.

Texto : Nico Castillo

Fotografias : René de la Cruz

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Santiago D Moda. Día 2

Parecía todo perdido en segundo día de Santiago D Moda realizado en la carpa exterior del Sheraton San Cristóbal y parecía perdido porque había tanta disparidad entre calidad y novedad que las ganas de querer seguir viendo el espectáculo se tornaba cada vez una experiencia poco alentadora.

Entre las lycras de Emma Shakty y los paños de lentejuela bajo telares anilinados de Goro estuvo la presentación de Ignacio Olivares cuya sencillez, poca pretensión y sensata manufactura se convirtió en un éxito digno de admirar.

Abrió con un conjunto de chaqueta y vestido, ambos de algodón donde se consagraba la buena costura sobre un paño que, cuando es tratado con liviandad, delata las imperfecciones en su corte y confección. Siguieron una serie de blusas, vestidos, chaqueta, todo muy sentador, sencillo…  Que es lo que una mujer trabajadora  quisiera lucir en su día día en el verano. Fresco, impecable y siempre “bien puesto”. Una apuesta arriesgada bajo las luces de una pasarela que siempre quisiera ver extravagancia y brillo y a veces, como ayer, se demostró lo contrario.

Una silueta casual y una paleta de colores apegados a los lavandas, blancos, celestes y turquesas la colección del sr. Olivares tuvo un brillo particular debido a la humildad con que un diseñador se entrega a su trabajo. Telas lisas y nobles, colores puros con algunos toques de refinada artesanía compuesto principalmente de cadenetas en hilo de algodón tejidas con crochet que, dicho sea de paso, el mismo diseñador produce, dio por resultado una exquisita muestra de artesanía local, pluralista y tremendamente beneficiosa para su clientela. 

Texto : Nicolás Castillo

 Fotos : René de la Cruz

Equipo Circulo Mag

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Santiago D Moda 2014

Con una magra e impuntual concurrencia, Santiago D Moda dio inicio a una tanda de tres días de colecciones de diseñadores tanto del retail nacional, internacionales presentes en el mercado local así como de diseñadores independientes.

Introducido por Renata Ruiz, quien en poco asertivas palabras definió los logros del diseñador como “… vistiendo a toda la farandula….” Como si esa acción fuese atrayente o siquiera generara alguna atención particular más que preconcebir vulgaridad a un trabajo hecho con esmero. Juan Failer presentó una colección de verano cuyo hilo conductor, en algunas piezas, fue el uso de cinta de raso para enaltecer una arquitectura a veces superflua en las piezas que demarcaban los limites corporales. Con paños bañados en lentejuelas para pantalones y tops, transparencias estampadas y pantalones de buen calce la colección divagó en una historia sin fondo pero con una lógica del verano radiante. Juan Failer era todo y era nada, una mujer que va del día a la noche con una apuesta segura, vista y sin un peso conceptual para admirar.

Comercial, ameno y ponible, la ropa de Failer inquieta lo suficiente para saber que será lo próximo o si es que quedará en el camino de aquellos creadores nacionales que se esfuman y trabajan en silencio con una clientela fiel

Texto : Nicolás Castillo

 Fotos : René de la Cruz

Equipo Circulo Mag

Latin Trends 2014

Vida y obra del ahora latinoamericano.

Comercialmente atractiva y decepcionante en lo conceptual, el Latin Trends de este año arroja sobre las marcas latinoamericanas una serie de conclusiones que, favorables para algunos, no deja de ser inquietante para el hacer de la moda que se genera en el territorio local.

El miércoles 20 de este mes y amparados por Parque Arauco, Latin Trends 2014 convocó a una selección de diseñadores latinoamericanos para mostrar sus colecciones primavera verano de 2014 – 2015.

Abrió el desfile  la marca argentina María Cher cuya propuesta está asociada al minimalismo estructural pero a la sobre exposición de estampados, sublimados, teñidos y bordados. Hicieron un magro y poco relevante resumen de una colección cuyo look book es un paseo por el alto verano argentino que suma tendencias globales a una marca con un reconocido sello local de carácter trasandino.  Consolidaron el bloque de estampados en una relajada silueta que hace reposar la ropa sobre el cuerpo y no al revés. Había de todo y todo apenas hilvanado por una idea de producto que se encaja en una colección vendible pero poco reconocible.

Karyn Coo introdujo una serie de textiles y texturas a una micro colección cuya silueta era a ratos  poco sentadora, con el talle alto en los pantalones y siempre poniendo énfasis en la cintura media, la diseñadora acompañó a algunos de sus looks con una masculina blusa blanca y que bueno… no hay nada nuevo en ella. Laboriosa, la sra. Coo diseñó lo que parecía una línea Crucero, relajada y en algunos momentos llamativa, como y citando a Matias Hernan, con un detalle constructivo valorable en el ultimo vestido, el cual pudo haber permeado de un modo u otro al resto de la línea Pre Verano.

Cecilia Hernández, la ecuatoriana radicada en Buenos Aires es la cabeza creativa de Talitha Ind, cuya colección mostrada en la BAFWeek contó con mucho más tiempo de desarrollo que la muestra coctelera con que la vimos acá. No pudimos ver el desarrollo conceptual de una colección inspirada en “…criaturas surreales intervenidas con técnicas lisérgicas…”. Abrió una chaqueta motoquera con maxi aplicaciones metálicas sobre una falta serpenteante, la que dio inicio a un desfile atiborrado en sublimados sobre gasas y tafetanes, volados y volúmenes asimétricos que a pesar de su aire digital conservaba un sesgo naturalista y fractal. Pequeño viaje en un san Pedro textil.

La línea de hombre de Magdalena Olazábal fue una singularidad ya que transitaba por una paleta de colores que divagaba entre el azul, celeste, cerúleo y gris y que manejaba texturas y cortes clásicos de modo usable y diverso. No exento de toques lúdicos el conjunto de chaleco de punto con bloques de colores y el maxi short era un look defendible y masculino cuya proeza está en cautivar al hombre chileno en el uso de prendas frescas y con personalidad. Lo presentado para mujeres había un aire severo… Respondiendo un sexo al otro, llevando al hombre a la forma femenina y la mujer a la hombría, habría que ver la colección completa para esbozar una idea del panorama que MO Store quiere mostrar.

La tucumana Sabrina Sastre presentó a través de Clara Rosa una colección prolífica en la técnica de sublimación sobre tela. Entre arriesgada y segura crea retículas y tramas visuales en blanco y negro cuyas formas divagan en el zoom naturalista generando achurados en el paño blanco. Sus duetos de texturas visuales daban por resultado dinamismo al trabajo de una diseñadora que, con seguridad, crecerá en el tiempo… y en la técnica.

La artesanal muestra de Viviana Uchitel proponía algunas de las más conocidas (y milenarias) técnicas de teñido. Una a una, las piezas se dibujan, cortan, cosen y tiñen para dar por resultado una imagen contemporánea y anacrónica del vestir con color. Organza en degradé en vestidos  ligeros cuyas formas ya vistas adquirían un aire renovado debido a los diferentes formatos en el que el tinte se aplica.

La Joya hizo del cobre no una aplicación sobrepuesta en la tela sino hizo del metal un paño en sí mismo, gran valor estético y conceptual ya que aportaba brillo y transparencia a una colección sin más miramientos que la intervención misma sobre estructuras clásicas de vestir. Algo vintage, algo actual… Algo. Los vestidos en “cuprum blocking” eran sin duda una bella hazaña junto con un abrigo de lo que parecía un lamé menos procesado pero que en alianza constituían una inversión visual con una proyección particular.

La post – deconstrucción es un sello de Urenko. Mostraron una colección cuya maxi silueta era un estupendo hilo conductor, con interminables paños, los diseños creados por Nicolás Bertolo y Anita Nava transitan siempre por un camino geométrico y diáfano al que suman el estampado digital sobre prendas que arquitectónicamente están hechas para provocar espacios entre el cuerpo y la indumentaria.

La sintética propuesta de la argentina Andrea Urquizu sitúa al dueto blanco y negro como hilo conductor de una colección cuya fortaleza es entregar líneas básicas al vestir femenino y masculino. Sin una gran innovación de por medio, Urquizu plantea prendas simples y ponibles.

Seductora y comprometida con una arquitectura imponente, Evangelina Bomparola sorprende con una línea clásica y elegante entre monocromos de colores que iban desde el amarillo canario en un conjunto de short entallado y blusa de gasa  hasta un fucsia potente en un vestido asimétrico en el que el paño de viscosa flotaba libre sobre una estructura a la medida.  Una propuesta ligada a lo atemporal y clásico, Bomparola hace el ejercicio de vestir a mujeres de todas las edades

La brasileña Lenny Niemeyer presenta una serie de pasadas basadas en la “super-comodidad”, sencilla y fresca y a la vez compleja y medida estampa sobre su paño textil  cuerpos florales difusos y llevados al microscopio, petalos y pistilos de orquídeas, crea una colección sumamente primaveral y exquisita.

Finaliza, Jorge Duque para Pineda Covalin quien se vale de seda estampada para crear vaporosos y suntuosos trajes… siempre en crucero, siempre en verano, la propuesta es potente y con personalidad. Para e hombre propone trajes de un solo cuerpo de estampado acompañados de camisa blanca o en conjunto azul cobalto que vibraba sobre una seda con tintes naranjas. Para las mujeres, Pineda Covalin ofrece clásicos mezclados con su sello característico.

La moda es un marca pasos del momento actual por el que cursa cada reducción territorial donde trabaja cada creador y era de esperar que eso se viera en el desfile. Por ejemplo, los diseñadores argentinos transitaron por el camino de la digitalización del estampado y se notó en cada trabajo visto y así también un peso algo lúgubre, desprovisto de color y riesgo.

Al final de la jornada Latin Trends ofrece una variada gama del trabajo en proceso del diseño latinoamericano. Pequeñas muestras del trabajo individual hace presagiar una curatoria centrada en lo comercial, vendible y listo-para-usar. Se le quita el discurso al diseñador para entregar una breve reseña de lo que es su trabajo… Lamentable si se piensa en el tiempo que cada uno toma para desarrollar su propuesta. 

Texto : Nicolás Castillo

 Fotos : René de la Cruz

Equipo Circulo Mag

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SEMANA DE LA MODA SLOW 2014

LUJO Y REALIDAD EN FORMATO CHILENO

De todos los eventos de moda en el magro calendario local, es este el que debería tener la mayor atención dentro del espectro. No solo porque existe una nobleza particular en el evento, sino porque lo que se presenta dentro del concepto se arranca de lo rápido e industrial, sino que se avoca a lo perdurable e identitario.

Fue en la Estación Mapocho y bajo el nombre de Slow Fashion, Semana de la Moda Slow, Moda Morfosis, etc. característica común de un evento cuya organización carece de orden y bagaje, se dio cita a un grupo de diseñadores que desarrollan, a su modo, lo que hoy en día llamamos Moda Lenta, la moda consiente del hacer, producir y gestionar el diseño, como respuesta al fast fashion, la moda de la que se nutre fervientemente el retail y que tantos daños provoca en la economía, el medio ambiente, la política y la dignidad humana.

Abrió, en una pasarela patrimonial, amplia y bella pero mal iluminada y escasamente demarcada, las joyas que Natalia Yañez desarrolla para la colección “Las Chilotas” cuya fortaleza es el uso de un tejido de carácter histórico en accesorios que provocan tensión visual (como podría esperarse de la imposición de una trama sobre el cuerpo) y como, en pasarela, el formato usado sincronizaba con el espacio, como iban vestidas a modelos y la intención de realzar el objeto.

Luego era el turno de una invitada internacional. Desde Colombia, Adriana Santa Cruz nos mostraba un nuevo patchwork, uniendo tramos de paño lana y que acercaban sus prendas a ratos a la deconstrucción y a ratos ponía énfasis en las dualidades entre lo largo y corto, delicado y sensorial, la colombiana mezcla texturas y tejidos para lograr un apuesta contemporánea.

A renglón seguido presentó una propuesta donde lo figurativo era lo central, “Aves del Paraíso” de La Burla mezcla materiales dispares con estampados obvios que dan nombre a la colección cuyo peso conceptual se difuminó después de que el primer modelo abandonara la pasarela con una suerte de burka y un cintillo metálico. Visto estaba, pero valía la pena intentarlo, De todo el nylon contenido en la ropa mostrada por La Burla podríamos declarar que de moda lenta contenía muy poco.

La radical propuesta de Juana Díaz se ha ido ablandando con el tiempo, la misma silueta, la misma confección, el mismo oficio. Al principio era un halago, ahora vemos como una técnica de la que se apropia o crea una diseñadora debería evolucionar formalmente, sin embargo los destellos que brinda la sra. Díaz de su trabajo quedaron claros con un faldón que cerró el desfile, su modo se replicaba en un objeto nuevo, que daba la impresión que esas cicatrices que muestran las telas de Juana contenían una arquitectura desbordante. Una evidencia de genialidad pero que no permeó una colección que en pasarela era acompañada por las roídas joyas de estudio Walka, que, con esmero impusieron una estética “folk – trash” a los accesorios.

Con una propuesta potente y que apunta a una moda latinoamericana con raíces profundamente globales, la uruguaya Michelle Serván se encontraba fuera de formato, con una colección prolífica en estampados, paños extensos, y una silueta sin un norte claro existía en toda su figurativa propuesta un lenguaje que a pesar de ser contemporáneo, se acercaba mas a la estética básica del retail que a la vuelta en el pensamiento del Slow Fashion y por guiños como esto uno se pregunta finalmente, donde o que hace que un diseño posea el titulo que lo agrupe a la moda lenta, pues es la intención artesanal, el uso de materiales nobles y no intervenidos por el acrílico y que su propuesta visual vaya centrada en la intensión anacrónica de la prenda, elementos que la uruguaya poco transmitía.

Desde Ancud y bajo la mano firme de Marcia Mansilla, Taller Kelwo presentó una propuesta purista y radical. Visceral  con ese “hacer-acá” y con una visión global. Es tal el aislamiento de la sra. Mansilla que convierte toda su colección de prendas de paño lana y paño de telar en prendas atemporales, con líneas eternas y básicas y cuya sastrería es un halago para su acotada clientela. Contemporánea y sin pretensiones, Kelwo da una clase magistral de la artesanía chilena, donde los detalles en los pesados abrigos traían el olor chilote a la Estación Mapocho y donde la humildad de una prenda la hace tan noble como cualquier artículo de Alta Costura.

La argentina Paula Gray es en sí misma una simplista… y no vaya a creer, usted lector que serlo es un hastío, al contrario, ser sutil debe ser por lejos la sensación más difícil de provocar, cuando se quiere, claro. Sin embargo la diseñadora en cuestión plantea un blanco puro como hilo de su colección y así mismo plantea un giro en la moda slow, porque primero ofrece un cambio en la estética artesanal en el conjunto entregándolo a un norte futurista con materiales cercanos al algodón orgánico. Usable, cuestionable y “ready-to-wear”

Cualquier persona medianamente informada en moda, habrá visto el desfile que J. Altuzarra presentó en la pasada semana de la moda neoyorkina. El video puesto en You Tube goza de las nuevas tecnologías como el slow motion en HD donde el paño de baby alpaca se mueve como se mueven las arenas en el altiplano. Desde la palestra chilena el colectivo femenino Agrupación Moda Lenta mostró una propuesta invaluable, de altísima calidad tanto material como de manufactura. Lejos de cualquier adorno, la fortaleza de la propuesta era el uso de cachmires, linos y paños lanas de primera calidad producidos por Crossville u Oveja Tomé, conocidas empresas del rubro textil que encumbraron a Chile (previo al golpe de estado) como potencia del textil industrial y que con el tiempo se diluyeron en un mar de sin sabores y desproteccionismos estatales vergonzosos  y que a través del  diseño de AML vuelven a ofrecer un lujo singular centrado en el material puro, la confección dura y la sencillez que deja que los factores anteriores brillen en piezas únicas, atemporales y heredables debido a su alta calidad. Las siluetas libres unían todo de manera intuitiva y la paleta de colores, por defecto ( ¡Y QUE EFECTO! )Eran tonos tierra, marengos y grises. Flotaban sobre el cuerpo con elegancia exquisita. El colectivo, formado por micro marcas agrupadas como Mónica Navarro (Pranayama), Francisca Tuca, Fabiana Persia (Savia Indumentaria) y Maritxu Heauty (MH) son ciertamente un ejemplo de cómo la textilería femenina despoja la ropa de adornos más que la propia femeneidad y calidad.¿ Y que que tiene que ver con lo de Altuzarra? Pues desde esta perspectiva lo mostrado por AML posee esa misma globalidad, la misma exquisitez y el mismo lenguaje entre el sport wear  y elegancia que caracterizó ese desfile  y que ciertamente puestas, las cosas de AML, en una pasarela cuidada hubiesen brillado de otro modo.

Martin J está pronto a convertirse en un icono. La rebelión personal que lleva a cabo el diseñador lo mandó a buscar ayuda en maestros nacionales del hacer ropa como Ignacio Lechuga, alianza aplaudida por esta columna virtual de moda porque primero, despoja de egos a la micro industria de la moda criolla y segundo porque un dialogo entre diseñadores no lo constituyen las palabras dichas sino los trabajos mostrados y en ese aspecto Martin J entra al ruedo con la colección “Beloperone” íntegramente masculina que nace por la inquietud de la ropa para hombres hecha por hombres y como ofrecer al cliente una mirada singular de la indumentaria. La paleta de colores es un abstracto donde se premia la masculinidad con colores azules, grises, violáceos, entre otros y en donde las texturas marca la diferencia entre durabilidad y comodidad presente, por ejemplo, en el conjunto de short y camisa de cashmir en cuadrillé amarillo ocre en donde el aporte de MJ es una visión profunda, amplia y global que el diseñador comparte en su misión como comunicador. Honesto con el acontecer.

El sagrado corazón de Vale Valuchi se tomó la penúltima presentación de esta maratónica noche de desfiles. Con telas exquisitas y en constante movimiento la uruguaya presentó “Crista” y como no…  ¿Latinoamérica sin imágenes religiosas? RARO. Los paños vivos de Valuchi se presentaban como capas de información… sencillas, clásicas pero que funciona siempre ya que varios de sus detalles (muchas veces vistos) conforman soluciones sin innovación.

Para cerrar, la diseñadora Fran Montecino presentó una colección denominada “Espejos de Agua” y que profesa una conceptualización mística llevada a prendas con una carga emocional importante y que plantea un dialogo entre la visión de una diseñadora que en el hoy por hoy trabaja en silencio en su taller porteño, el consumo y la clientela. Hace algún tiempo atrás Karyn Coo planteaba el hecho de que la Alta Costura era una condición que tenia que ver con el tiempo de trabajo en un vestido. Pues aquí le podríamos presentar un ejemplo vivo de una mirada a la Alta costura con raíces artesanales, exclusivas, de calidad y con una historia extensa que contar. Bordados sobre lino, hilo de seda sobre algodón orgánico, paño lana y diseños adaptables al cuerpo visto como un soporte de colores, texturas e historias. El paso de la sra. Montecino por la escuela de Juana Díaz se hace patente en sus terminaciones y remate de costuras como sello de propiedad. Siluetas libres y clásicas Fran Montecino ofrece elegancia artesanal, atemporal y enraizada en la honestidad y creatividad.

 Concluir esta columna provocó la misma sensación de empalagosa espera (me imagino que como lector la sensación deberá ser similar) que el día de los desfiles, es necesario dar aire a la información y cuando decimos eso no nos referimos a un grupo de danza contemporánea haciendo un breack entre una tanda y otra, sino que mostrar de a poco el trabajo de los diseñadores. Darle a cada uno el tiempo de expresión necesario con dignidad y respeto, para que copas de vino rota no estropeen la pasarela ni los invitados se crucen por pasarela huyendo de que-sabe-uno-que-cosa entre modelo y modelo. Profesionalizar la puesta en escena es lo mínimo que puede hacer una organización al momento de decidir concretar un evento de esta magnitud, sin embargo felicitamos la gallardia de llevarlo a cabo.

De todo lo visto existe un aire de nueva moda, la moda del futuro, lo que usaremos por defecto si es que el consumo nos arrastra a la destrucción de los bienes globales. La expresión de cada uno de los creadores quedó sellada como una visión crítica de su realidad circundante. Una postura política entre el hacer ropa y el público que quiere comprarla. Hay en toda la Moda Slow el sentimiento de ir por un camino acotado y pedregoso pero con un paisaje hermoso que mirar y de estar aportando a una industria de diseño equitativa, única y despojada de prejuicios. Construir y avanzar sin dar pie atrás.-

Texto : Nicolás Castillo

 Fotos : René de la Cruz

Equipo Circulo Mag