martes, 24 de mayo de 2016



La moda del 2016 es un excelente lugar para estar. La industria local parece más infértil que nunca, una tierra no cultivada ha favorecido a quienes tienen una propuesta innovadora  y fresca. Hay lugar para los matches erráticos, hay lugar para las mezclas disonantes y nunca, estar poco combinado,  se vio mejor que hoy. La moda de 2016 es un escenario amplio donde la moda de autor debate aguda frente al fast fashion, el retail y la producción en masa… No habíamos cuestionado tanto el sistema que nos rige como lo estamos haciendo hoy y la moda ha sido un fiel reflejo de ese cambio de paradigma.

En un país como el nuestro, donde el capital base se genera en la venta de materias primas que retornan a nuestra economía como un producto de consumo directo (saltándose el proceso local industrial de la manufactura ) y conseguir un producto Made in Chile que no sea comestible, se ha transformado en una proeza sorprendente y la pregunta-sorpresa tipo “…  AH, y lo hacen acá?!...” es cada vez más difícil de escuchar. Acá, en un país como el nuestro se está gestando un proyecto que bajo la opción de random life se han unido el NY fashion underground, la productora nacional SUDXD y Rodrigo Quevedo, el presidente de la Asociación Chilena de Robótica.

El random life es así: Esmeralda Garmendia, de la productora SUDXD conoció en Nueva York por casualidad al diseñador Mackswell Sherman, quien es figura de la escena divergente de la ciudad, su ropa fue mostrada en el contexto de la Queer NYFW y es también usada por la escena de raperos queer que azotan el underground neoyorkino como EarTheater y Guardian Alren. La oficina de SUDXD producciones colinda con la el taller del ingeniero en informática y fundador de la oficina de robótica ROTATECNO, Rodrigo Quevedo. El molde estaba marcado. Había que venir a hacer  a Chile un proyecto que fusionara moda y robótica. Si, a Chile, donde la industria del textil fue aportillada por la consagración del neo liberalismo y la producción de robótica son pequeños destellos en el universo tecnológico.


Casualidad  también es que este año el tema de la exhibición del Costume Institute del MET “Manus x Machina” aborde la dicotomía entre la creación artesana y la creación biónica. Entonces, el proyecto, de pronto descontextualizado, tiene una razón muy particular, ponernos al día en la dupla moda y tecnología a nivel global.


- So it’s an extrapolation between robots and people and fashion industry

- It's really a fucked up methafphore: “designing for fake robots”. So I started designing for actual robots because fashion industry is run by crazy evil robots. But I think is a very abstract thing, and what is concrete about this project is that we are creating art purely for the process and collaboration and to evoque inspiration. This is probably not gonna be for sale, I haven’t  wrap my mind around in how that will make sense, so this is the first time I take clothing design and put it purely in the art context.

- Art and fashion?. First time? Really?

-  Well… I always have, but in the past was always for profits, the final result was to sell clothes, I mean maybe not so specifically: I made bizarre science fiction movies and just once I made clothes for a Reggie Watts Motorolla collaboration for a Chihuahua but I think they pay me ok for that. That was making clothes lines not for retail. 


El movimiento anti retail ha calado hondo y no hay marcha atrás: La producción en masa, la sobre explotación de los recursos naturales, la contaminación del aire y de las aguas, la esclavitud humana en el siglo XXI. Todo esto  con el fin del mercadeo insano de la oferta y la demanda. Esa manufactura en masa que produce la aparición de estantes abarrotados de poleras iguales, jeans idénticos y productos imitación de casa de moda parisina imposibles de solventar con el bolsillo tercermundista. Pero el consumo retail no solo se encuentra en la moda. La arquitectura se ha preocupado de dejar su huella patrimonial en sus edificaciones fuera de la escala humana que, contruye colmenas y  gentrifica espacios urbanos. La salud en los mall con clínicas donde puedes canjear puntos del supermercado por una rinoplastia. La educación de mercado y la concesión de las carreteras. Eso es poco decir de nuestro instaurado retail y su sin numero de colusiones…

En palabras de Esmeralda Garmendia : El 90% de las personas compran ropa en retail. Un dato no menor hoy, cuando la posibilidad de encontrar una prenda hecha por un diseñador independiente no es una complejidad, sin embargo ella y su equipo han ido mucho más allá en la tarea de promocionar la moda, la factura y la producción local

Esmeralda:  One of the things in the project is local production:  We want to empower local production, we want people producting art, clothing, designs, mapping. But local production is really important. When Mackswell arrived he asked: “Hey Guys, where are the factories here?”... Well there are no factories here.

Mackswell: And It’s crazy because there is a lot of people doing lots of stuff here, lots of talent..

La primera dificultad que  tuvo el equipo conformado fue encontrar un taller donde poder armar las piezas hechas molde: Una costumbre arraigada en muchas capitales es que haya factorías a mediana escala donde se puede encargar una propuesta seriada  de productos a partir de un molde llevado por el cliente. Sucede en Buenos Aires, en Sao Paulo, Lima, Bogotá, París, Nueva York, etc. Pero no en Chile, un rastro inequívoco de la carencia de taller y de práctica semi industrial asociada a esa escala media.

How did you get here?

Esmeralda: We met in NY, we worked together, we were together there, we partied together there. We developed a bond, an understanding.

Mackswell: I wanted to use my experience and do something more important than making clothing to sale for the fashion retail. So I was thinking about South America. I was in Argentina 9 years ago and I always wanted to come back and see more of South America. I thought how can I use my experience, my knowledge as an anti fashion/slow fashion… someone successfull and here I am, 10 years later and still running, so I thought about doing an artist residency, I thought about starting a street wear school to use open source information sharing and I was just talking with Esmeralda and other friend of us from New York about thinking in some way to collaborate to get North America and South America working together. Basically I got so fed up with the fashion industry about 3 or 4 years ago and I been doing different experiments to use mi skills and my  passion and I feel like I’m doing something… significant, something that actually is important. I don’t care about being successful in terms of perceiving trends and making clothing to make money… is not enough.

Esmeralda: But you also have been part of Queer Fashion Week , so you was experimenting on it…

Mackwell: I’m having a great time in NY but is not about making money to be totally honest, there´s a profit margin and the climate in north America to be a successful independent designer, it just gotten harder and harder until the point it’s ridiculous.


So, how did you get in the Queer fashion show?. How can you mix gender, anti retail and queer culture?

Mackswell:  I was selected, it was a huge honor, I didn’t have anything to do in the creative direction or the concept of the shows. But it was the first time that the queer culture in NYC was organizing in a very massive scale… Is the world’s largest fashion show coming from designers who are the umbrella of queer thought, so I came out with more a gender neutral, post gender designer. A lot of the designers are transgender and dapper boys who were specifically designing for that facet. So it was curated by four different magazines, a production company, two magazines and other queer entities. So what they were doing it’s saying HEY recognize us, let’s have a place for queer fashion and we want to not just be underground in some edgy venue in Brooklyn… No, we wanna be in the biggest venue and make it in a very pop scale. So we do it in the Brooklyn Museum and it was recognized as the official New York Fashion Week destination. So for me, was just an opportunity to do something really futuristic.

It’s a big distance between robotics and a queer fashion show… but in the end they are not that far away between them, you know? Now is about robots, before was about queer…  So how you do make the connection between the work you are creating here and the work you make in New York.

Mackswell: hahahaha… And that´s my career! Let’s go back ten years. When I began my brand I was going to a very politically oriented school. The Evergreen State Collegue, in Olympia, Washington. That's were the all riot girl thing started, a very progressive school. In 2004 or 2005 I was an activist at the time protesting in the streets for accountability for worker’s rights as far as manufacturing of all things, not just clothing. And at that time we were demonstrating and doing a lot of press, publicity stunts to get awareness for worker’s rights and accountability… Transparency was the new term at that time. And I was like “Awesome…  We stop the export of all this changes that were happening over here”. We disrupted something and we were on the news for five minutes but then two weeks later we were still seeing the same things happening.  So I thought instead of this I can become a lobbyist and trying affect  the way laws were developed but didn’t sound so good for a guy who is a feminist-crazy-puppetry-rapper, that was my main focus at that time, doing rap music and experimental stuff or I could make a product ethically accountable in the USA and so I just saw the timming worked out I was enjoying making clothing and I met the right people and I started a brand and quickly it was embrace by ETSY and… that is how, basically I took ethics and activism and turn into a platform for a brand. I move to NY after… because of a huge opportunity of the founders of ETSY, they give me a studio and I was invited to be part of a business incubator to help small designers, like myself, scale.

At that point I didn’t know what a stylist was, I didn’t understand designing for seasons and collections… I was just a punk-rock rowdy-rapper who was making clothing that was good for active wear, for bike riding and doing stuff, because that’s what I did, but it was looking more chic in the street, because I have more of a desire to create urban wear. And I didn’t give a fuck about the fashion industry. And year after year, after I became more successful and more recognized in the fashion industry I started getting advised, and started building my team, and started to accept the fashion industry standards and found myself wasting tons of money on trade shows and show rooms, and being part in different fashion exposes, and in the last two years I was just like WHERE THE FUCK AM I?… HOW THIS HAPPENED?. So I´ve done lots of things I’m really happy about: We create the “Multi Task” which is a lifestyle function, that was a fusion of shopping and retail featuring independent designers and music, performing live rap and incredible djs in the local underground pop artists. And everything is really awesome but I’m still struggling with the bottom line on how to be comfortable and successful as an independent designer… Like… at one point I thought: should I go work for a giant fashion house today…should I just become part of the industry to survive? So for me, this opportunity to use my experience to collaborate and create something very futuristic was a new alternative to continue to push the ethics and my philosophy without having to popping out products and marketing and doing it for retail. 


No seguir la moda, no estar al tanto, no estar cerca del mainstream de la industria de la moda es parte de la filosofía de Mackswell, ya en el 2005 creaba atuendos a partir de nylon y telas como el neopreno que tanto se hicieron populares después de la arremetida de Wang, Proenza Schuler u Oppening Ceremony. “ The function is first!” dice Mackswell y cuyo enfoque se basa en ropa urbana, post gender y con un cuidado modo de hacer.

 Do you have some major- scale influence in your work? What happened in NY now? Do you feel close to the newest and strongest brands like Public School or Creatures of the Wind?

I don’t know, they are just copying each other. Probably an underground artist had a really good idea and then everybody copied it. They steal everything from underground. I don’t want to sound like I’m saying that I have and a authority or an opinion about something I don´t care about, I don’t actually follow New York fashion. I’m so invested in the local underground, but I can say that I was working in meshing, creating futuristic clothing that was great for functionality, exercising and partying in 2005. Using mesh, using waterproof nylon fabrics, because I care about the function.

Mackswell es un diseñador residente en Nueva York, la cuna del street wear-sport couture. En la capital financiera,  hace algunos años atrás, los show de pasarela más importantes de ver eran lo de De La Renta o Carolina Herrera, Michael Kors y una camada de diseñadores cuyo rol en la moda no era la innovación. Hoy son las marcas cuya visión contemporánea del vestir han revolucionado desde las vitrinas hasta el modo en que el retail diseña sus colecciones.

Working here, in Chile, has some sense to you now?.

Originally when I came here I said: I want to make this clothing for robots and maybe some capsule collection for humans and do a little pop up sale and work with the local factories and just streamline it the same way that I do production in NY. But really quickly I kept coming to dead ends of people saying: Yeah… I know about local manufacturing. So let’s talk about if they can do this pattern making, can they take an original sample?, can they make all the process? And everyone goes like: for us local manufacturing is one source, one talented seamstress, but you have to drive 1 hour outside of the city to go find her… So is not really organized in the way you can create a model. But at the same time is so fresh and new and there is no real standard of mainstream fashion that’s happening here, being produced here, so you guys could do anything here, you can find your own terms.

What's the most exciting thing about working here?

I went to Independecia and is awesome, still have the same feeling than the Manhattan garment district but is SouthAmerican garment district and has a little bit of everything, and maybe a lot of the fabrics are not necessarily the best quality but is organically happening. So, what I think is the most exciting thing about this project is supporting the local talent and learn from all my assistants who have work with another independents designers in different ways and sharing a similar concept of transparency and research and see how people are using their own experiences in different ways to help me find alternatives and solutions. 


Pudiesen haber sido personas, modelos gordas, enanas, flacas, abuelas o abuelos, hasta incluso perros, pero no, son robots de cerca de 30 cm los que llevaran la ropa el día del Future Fashion Show. La década pasada nos llevó a una serie de encuentros con la robótica y quien inauguró la temporada futurista fue Alexander McQueen quien decidió que dos brazos mecánicos dispararan chorros de pintura a Shalom Harlow mientras giraba en una plataforma a ras de pasarela. De esa primavera del 99´se desprendieron otros eventos relevantes encabezados por Hussein Chalayan, Iris Van Harpen y Philip Plein, sin embargo, solo un equipo de japoneses había podido poner en pasarela un robot símil a un humano en un contexto alejado de cualquier calendario relevante en el circuito de la moda global pero en una pasarela al fin y al cabo. Sin embargo y con mucho en contra, The Future Fashion Show se ha instalado como el primero en abrir el debate de tecnología y moda en suelo nacional y a pesar de la presión de ser los primeros, descansan en, justamente ese paradigma, ser los primeros.













Texto : Nico Castillo
Fotografías : Camilo Bustos Delpin www.visiondel89.com

lunes, 4 de abril de 2016

Désfile Capsula Sebastian del Real

La moda a ratos podrá mostrarse contraria, a veces, como muchos y muchas plantean, que ha estratificado a la mujer, que ha hecho de ella un objeto. Un objeto decorativo, un objeto fetiche, un objeto de comercialización, un objeto de servicio varios. Un objeto sexual.  Sin embargo, la moda, ha sido un acompañante trascendental a la hora de definir la escalada política y económica que ha levantado la mujer desde los últimos decenios del siglo XIX  y que coincide con el inicio de La Revolución Industrial y a su vez con la primera firma que declara los principios de la industria de la moda y el vestir. La mano obrera, los primeros sindicatos. El día de la Mujer conmemora a las trabajadoras textiles en huelga de una fábrica de camisas en el NY de 1920. La moda estuvo presente con las sufragistas, las primeras feministas, la liberación del corset impulsada por Chanel. Estuvo presente, y así lo hizo patente la exhibición Entre Guerras del museo de la Moda de Santiago, en el rol de la mujer en las guerras mundiales. La moda siguió a la mujer cuando tuvo que abrirse lugar en el orden patriarcal que rige al mundo. La abogado, la doctor, la arquitecto. Grace Jones se quitó los pantalones de su tuxedo cuando le prohibieron la entrada a una mujer en traje de hombre en el Oak Bar. Donna Karan a principios del 92 lanzó el look que definiría a la mujer trabajadora de los años 90 en su campaña In Woman We Trust fotografiada por P. Lindbergh y que mostraba a mujeres en roles públicos que antes eran propios de los hombres, todo esto por una promulgación de ley estadounidense que abogaba por la participación femenina en directorios y cargos de poder político. Y así, históricamente, la moda ha servido a la mujer para situarla en una fecha particular en el calendario moderno y contemporáneo y así revisar el momento social, político, económico y tecnológico que la rodeaba.

El jueves 30, en la Galería Animal se uniría a la presentación de colección de Sebastián  del Real en colaboración conceptual y performance The Collective CL en un curso dictado por la stylist Macarena Hamilton y desarrollado por quienes tomaron ese curso. Se habló de una muestra feminista, que era una protesta, que era un acto que mostraba el rol de la mujer.  Y no podemos estar más en desacuerdo por respeto a lo que el primer párrafo pobremente describe.
La ropa de Sebastián del Real siempre ha tenido un sesgo romántico que lo ha hecho característico en un medio que sin ser amplio, bien podría ser profundo, porque cada diseñador, de un modo u otro, se ha apropiado de una estética que va definiendo, re definiendo y nutriendo a lo largo del tiempo. Y eso es algo que hacho Del Real. Pero es eso también un comportamiento básico global, el desarrollo de identidad de marca. Vestidos delicados, ultra-femeninos, una paleta de colores suaves y pasteles. El uso del strapless y la caída amplia y más abajo de la rodilla bien merecía ser tomada como una silueta presente y desarrollada en la colección capsula.

Sin embargo, el discurso liviano, la poca profundidad conceptual, el arte de la performance llevado a una caricatura sin desarrollo empañó lo que pudo ser un desfile singular, ya que todo ocurría en una de las galerías de arte más renombradas de Santiago. Y que no es por alumbrarla, pero ANIMAL lleva abierta, sustentada por un trabajo curatorial y de art dealer por más de 10 años, entonces “… una caricaturización de los clichés femeninos en el hogar, una especie de burla sin mayor repercusión…” no podría y no debería ocupar ese espacio tan notorio y que después se juzgue lo que ocurrió en redes sociales donde destrozaron el desfile por tratar de hacer una propuesta  más profunda pero con contenido random. Desde acá, eso ha empañado lo que nosotros creíamos un trabajo serio, fértil y con algo que decir, con un precedente que marcar. Brutal, la llegada del retail a un mercado próspero como al industria de la moda local. Solo en Chile eso ocurriría, donde el sentimiento neo liberal prevalece a otros más nobles como la equidad, el respeto al trabajo hecho y a quienes cuestionan el orden racional humano y no el orden del capital.


Del desfile, es un agrado decir quela  ropa de Sebastian del Real es una alegoría a la femeneidad. Lejos del full black, lejos de la androginia. Nunca border. Del resto, una propuesta tan de moda que ya pasó, hace mucho y que ya no volverá a ocurrir sin ser juzgada como ridícula y limítrofe. 






Editor: Nicolás Castillo
Fotos: René de la Cruz

Galería Fotográfica

miércoles, 30 de marzo de 2016

Lupe Gajardo. Otoño Invierno 2016

 




Cualquiera que alguna vez se haya hecho una selfie podría criticar nunca la colección que Lupe Gajardo presentó ayer en el espacio Checoslovaquia, en una orilla de Ñuñoa. Esto, sólo y exclusivamente porque la creadora se pone al día con el sistema, se pone al tono de la voz disonante que es hoy lo que vemos y llamamos moda contemporánea.  La presentación estuvo llena de todos esos pequeños rasgos clichés que han dividido aguas en el hacer de la moda global y que hacen la diferencia radical de identidad de marca y los clientes afines y que es lo que nos permite diferenciar, por ejemplo el Loewe de J.W. Anderson con el trabajo de  Marqués Almeida.                                      






Sin embargo, la creadora no cruza el Atlántico para buscar referencias que alimenten su moodboard y contrario a la negatividad, resultó una colección que no podríamos llamar ni ecléctica ni punk como varios la han tildado, dos conceptos que nada mueven la pasarela de Lupe Gajardo Otoño/Invierno 2016, primero porque la globalización ha hecho que lo ecléctico sea una parte fundamental del lenguaje cotidiano y que el resultado se vea punk, no significa que en verdad lo sea. Lo que sí sabemos es que es una colección con piezas usables y un gran hilo conductor que hacen de esta colección una metódica suma de looks que sorprenden por la cantidad de piezas y por la versatilidad que ellas proponen. 
Lentejuelas opacas y grandes, tartán y encaje, plástico y fake piel, pvc quemado, un par de overoles, chaquetas sports, vestidos middi sin mangas. Todo sin una silueta que definiese la colección, lo cual la diseñadora también trasforma en atributo. Libre y global. EDGY







La diseñadora guarda en su background un lenguaje del hacer moda como en Nueva York. De Marc Jacobs a Rodarte, la mixtura de Proenza Schouler, la razón urbana de Creatures of the Wind… todo en una colección elaborada en suelo nacional y eso, lejos de molestar, es bastante halagador: Como una creadora es capaz de sensibilizarse frente a una propuesta global y aterrizarla sin ser ambigua o tratando de hacer pasar desapercibido el referente. Aplaudimos el show, aplaudimos la propuesta, una colección que da inaugurada la temporada del invierno santiaguino.



Editor: Nicolás Castillo
Fotos: René de la Cruz

miércoles, 2 de septiembre de 2015

Capitalismo por Juana Diaz. Primavera Verano 2016

La moda nunca ha sido una línea recta. Ha sido siempre una sinuosa huella que se puede ir leyendo a medida que la sociedad, en su conjunto, avanza. Momento de reflexión como el desfile NO de Viktor & Rolf  o momentos homo fundamentalistas como los de Walter van Beirendonck. Podemos recordar el primer desfile de Phoebe Philo para Celiné implantando una nueva silueta. Del mismo modo podemos reconocer la supremacía urbana de Public School hoy DKNY o el neo esteticismo de, por ejemplo, Creatures of the Wind.

Así y obedeciendo a un contexto tan crispado como actual, Juana Díaz presentó su colección Capitalismo en el espacio de arte La Pendiente en conjunto con el colectivo de arte 1000m2 albergado, todo esto, en el último piso del teatro Italia, en el corazón del barrio de moda.
4 bailarinas abrieron un desfile lleno de debates intelectuales, poses pensadoras y relaciones alumbradas. El rigor de la danza contemporánea plantea un lenguaje similar al del diseño de la creadora. Poco digerible pero igual de atractivo, juegan con una cercanía tan palpable como visible.

Piezas de lino vestían a unas cimbreantes modelos  en capas, blusas, ponchos, faldas y faldones. Sentadores vestidos en un brillo que solo las telas orgánicas dan. Mate y brillante a la vez. Un plisado exquisito en faldas a la rodilla. Todo giraba en torno a una visión con referentes contemporáneos con atisbos de un Chile vintage. A veces poético, casi mistralesco, pero no la Mistral de los piececitos azulosos, era la Mistral de Tala o Lagar, la Mistral dura, fuerte, pendiente. La crítica social  y el rescate del remanente obrero de los listones… Así mimo, las telas rescatadas de un deposito antiguo era todo un feroz grito al sistema de consumo que sostiene, por ejemplo, nuestra economía social, política, cultural y por supuesto, la economía monetaria.

WGSN, la súper pagina-enciclopedia de moda sacó hace una temporada un articulo al que titulaba La Generación ZE y su influencia en el vestir inteligente. La no silueta, el reconocimiento trans gender. La “nueva” construcción de las prendas, todo junto, en sí mismo, era una protesta a la realidad y al sistema actual y nada más cercano a Juana Díaz que lleva su característica construcción a través de un modo de costura que une trazos y hace un paño con cicatrices sobre solapas de abrigos y detalles inolvidables.


Una puesta en escena increíble, la colaboración entre la artes (La imagen de Isabel Rodríguez moviéndose por la pasarela simulando llevar tacos junto a las otras jóvenes bailarinas) y la profunda convicción de Juana Díaz hacen de este desfile-performance un acto contestatario y único. Exclusivo y divergente. Aplaudimos esta poesía que entrega sustancia y equilibrio a una moda que a veces parece separarse de la realidad. Esta es la piedra de tope con que cualquier observador de la moda se sentiría halagado de tropezar.

lunes, 24 de agosto de 2015

Latin Trends 2015

No es casualidad y tampoco es azar que Latin Trends sea, hoy por hoy, la cartelera de desfiles más nutrida y variopinta de la agenda anual de la moda local. Y a veces hablar de local también plantea un desafío, local hoy es Sudamérica, las comunicaciones, la política, la geo política y la economía ha hecho desaparecer de nuestro lenguaje la palabra cono sur para ser reemplazada por un espectro amplio e inclusivo. Sudamérica hace moda, dialoga con ella y crea un mercado en medio de la batahola de las súper marcas agrupadas en firmas globales.

Dinámica, sin pausas y en constante asombro, la pasarela de Latin Trends nos dio una pincelada por el acontecer de la moda latina… O parte de ella porque lo que hoy debería interesarnos es una postura respecto del hacer moda fuera del circuito europeo. Políticamente, LatinTrends tiene bastante que decir, desde la crisis de la triada femenina a la cabeza de tres países de la región, pasando por las matanzas mexicanas, el calentamiento global, la moda consiente, el slow fashion, el uso de materiales autóctonos, etc. “Latinoamérica está de moda” citaba el slogan del evento y lo compartimos, sin embargo creemos, fielmente, que Latinoamérica no solo está de moda, sino siempre ha sido tendencia constante.

Meche Correa no da tregua a la identificación de una silueta latinoamericana. La embajadora del diseño peruano puso en pasarela una de las propuestas más decidoras del momento actual de la moda peruana. Lanas de alpaca, baby alpaca y vicuña nos mostraban el lujo radical con que la diseñadora trabaja. Materiales exquisitos daban forma a polleras amplias que ciertamente nos indican de donde viene la influencia de la creadora. El Perú profundo y las raíces precolombinas como referente. Los prendedores de plata con forma de araña, los bordados florales y el uso de prendas de ahora como el crop top sobre polleras abultadas.





En contraste, la diseñadora Karyn Coo presentó una colección llena de referentes del pasado. Piezas 
sin tejer, colores crudos sobre una silueta relajada dio por resultado un desfile suave y etéreo. Dejando de lado algunas de sus muletillas que, sin lugar a dudas, la han levantado como diseñadora, La sra. Coo ha limpiado y ha resumido una estética que, al pulirse, pueden verse brillos como los que presenciamos quienes disfrutamos de la pasarela.





Latinoamérica está de moda porque todo lo que hacemos tiene un grado importante de pasión. Desde los estampados de Mariana Dappiano, la fuerza de Ignacia Zordan, la atemporalidad de Andrea Urquizu o la seda pintada a mano de Pineda Covalin, todo, todo lo hecho tiene atributos particulares e identificadores.


La imagen es el resultado de la identidad y lo que vimos, con cuidada curatoria, resume un poco la sagacidad latina de componer con alegría un canto que, aunque esconda tristezas, llena todos los espacios que tenemos abiertos como consumidores. 

viernes, 14 de agosto de 2015

MERCEDES BENZ FASHION WEEK 2015

Mercedes Benz Fashion Week Santiago 2015.

La moda siempre ha sido territorio de valientes. Territorio de dualidades y paradigmas. Polos opuestos y periferias culturales, sociales y económicas. El espectáculo de la moda es, por sí solo, un enjambre de contrastes. Fue por eso que la iconoclasta-multimillonaria Sao Schlumberger cedió su hotel parisino para el desfile de un quebrado Galliano en el 95. Sucedió lo mismo con Isabella Blow y McQueen en sus primeras colecciones como The Golden Shower y mencionar a Alaia o de la historia de la Marquesa de Casa Torres y Balenciaga.  Posiblemente esos contrastes entre alto y bajo arroja la media brutal que es la moda y que, finalmente es lo que perdura.

Así y con el front row más vacío de lo que va del año, Mercedes Benz Fashion Week Santiago dio por inaugurado su condensado calendario de un día. 15 desfiles a su haber y con una organización rigurosa y exquisita. En el sub suelo de Centro Parque, en el corazón de Parque Araucano que albergó el evento cuyo secretismo y exclusividad eran tema. Tan secreto y exclusivo que más de un cuarto de los asientos estuvieron desocupados y las tote bags con el logo de Mercedes sobre bolsas negras miraban impávidas una impecable pasarela cuya iluminación era un premio para la prensa quienes gozaban de un digno espacio para desarrollar la importante tarea del registro de moda.

La visita de Lupe Gajardo a NY la encauso a una colección global y actual. Con detalles como las piezas cadena ancladas a la rodilla y al tobillo daban un aire sensual y duro a una colección que si bien tenia rasgos similares a lo que Cushnie et Ochs presentó en 2014 en el marco de la NYFW, lo de Lupe Gajardo guarda un antecedente histórico no revelado. Con ciertos tintes militares o mejor aún, paramilitares, la colección se tornó legible y consecuente con un concepto. Encajes, cuerdas y volados compartían espacio con una impecable confección y bordados cuidadosamente puestos junto con una silueta clara y una paleta de colores acotada. La diseñadora logró llevar a cabo una colección que estaba rendida al cliché pero que con las dosis justas, logró sortear dificultades y se cimentó como una muestra de ropa usable y capaz de identificar a más de una compradora.






Contemporáneas y atemporales a la vez, Estudio SISA presentó una colección muy en la medida SISA. Ropa intelectual donde, así como la comprensión lectora, la comprensión visual era un eje fundamental. Algodones y organzas. Tejidos y linos en blanco que iba desde el hueso al marfil en una paleta tan acotada como rica en variedad. Layers en prendas blancas daban un aire cosmopolita y casi espiritual a las prendas como si fuesen en actitudes de oriente monacal. Con un estilismo potente y una propuesta de Hair & MU que se expresó en el aplauso final del público. El estudio compuesto por tres diseñadoras expresó una idea concreta de marca. Finalmente colección tras colección las creadoras argumentan un discurso respecto al vestir inteligente donde la ropa descansa sobre el cuerpo dando brillos de una sensualidad etérea. Posiblemente SISA, hoy por hoy, sea una marca de neo lujo criolla, como lo fuese The Row o Celine con todas las medidas pertinentes a la geografía local.






Del Mercerdes Fashion Week se decía mucho más de lo que se hizo. Porque, a nivel global, nadie habla de “La-semana-de-la-moda” sino que se habla de los diseñadores que ocupan los espacios de tiempo dentro de un calendario determinado. Hoy, la fórmula de hacer un evento debe innovar por que de tanto repetir la fórmula, se quedó sin alma y sin algo fundamental en el ejercicio de hacer y editar moda que es generar contenido. Dudamos seriamente del contenido que estilara desde la primera fila. Donde escaseaban editores, productores, celebridades y donde abundaban señoras y desconocidos. Quizá había que revisar los últimos desfiles de Maison Margiela, donde solo existía una sola y larga línea primera.  La moda es territorio de valientes y para repetir formulas ya seguras están otros escenarios.-




miércoles, 1 de julio de 2015

Está muy de moda


Están de moda esos chalecos, sin mangas, de piel sintética, imitación de diferentes animales y prints que van desde el ocelote al zorro cumpeo pasando por el coipo, astracán y hasta leopardo purpura. Están de moda esas boletas ideológicamente falsas y su hedor que paraliza hasta el más lejano junior de oficina de contadores. Están de moda los collares vistosos y desde ya, hace rato, el revival de la bisutería pomposa. Está de moda que, entre los pilares que sostienen la justicia se cuelen criminales y pillos con vínculos políticos, económicos, históricos. Están de moda los maxi abrigos hasta la rodilla, mangas sueltas y sisa botada. Está de moda que las farmacias reciban castigos nimios ante sus engaños, su usura y su frialdad. Se puso de moda la plataforma de madera, muy argentina por lo demás, en botas de cuero gastado con hebillas, borlas y tirantes. Se puso de moda estar en contra del gobierno, hablar de la Gorda, de la araña de Rincón, del galán rural, de la vieja culiá, del maricón culiao, de la gente culia, del gobierno culiao, del país culiao y un largo etc. Se puso de moda, entre los hombres, usar esa segunda capa debajo de los shorts, como una panty de invierno con zapatillas fluor o negras… sin colores medieros. Está de moda no llevar al vecino en tu auto, aunque vayas sólo y seguir alimentando el bowl de smog en que se ha convertido Santiago. Se puso de moda para esta temporada el color rosado pálido, los pasteles de amarillo y algunas tonalidades malva en chalecos de angora, polerones de neopreno y en los ya mencionados maxi-abrigos. Está en auge y desde ya hace tiempo, desmantelar la educación como estuvieron de moda los Boyfriend Jeans, esos pantalones over sized que se veían increíbles rasgados, cortados, lijados, deshilachados. Así mismo la educación, rasgada, cortada, lijada y deshilachada… el resultado es diferente, porque hacer eso con el alimento conceptual de un país es terrorismo de estado.
Phoebe Philo puso de moda con Celiné los agujeros en la ropa, a modo de ver sub capas que nos vestían. Rick Owens hizo lo mismo con el falo y lo apodaron “Dick Owens”, por ahí Anthony Vacarello perfiló los ángulos en tops, blazers y minis. Y Jacquemus deconstruyó, de manera infantil, prendas de uso diario. Acá la política hizo lo contrario con la sociedad y sus movimientos, los agujeros se volvieron marañas inaccesibles y que, escarbando se encontraron con las manos de sus pares. Como respuesta a Owens y Philo fueron tapando, tapando, tapando… como un tímido outfit de Comme des Garcons. Ablandó sus decisiones, lo contrario a lo que hizo Vacarello para Versus de Versace y la simpleza e ingenuidad de Jacquemus fue contrastada por la desidia y la perfidia de una casta de políticos inescrupulosos herederos, como Luciano Brancolli, de la dictadura.
Sarah Jessica se hizo de rostro de Ripley y vaya como es de irónico el circuito. Contratar de rostro a una actriz cuya carrera está tan muerta como el sistema que sostiene el retail y el consumo masivo. Y vamos recordando a Sex and the City y las chiquillas que la veían comiendo pan en su pieza, sintonizando el programa doblado en La Red. Esas mismas están felices de usar las mismas capelinas que Sarah Jessica. Y van los productores, diseñadores, mercenarios del gusto, alumbrados y adictos a las selfies devorando redes sociales, espacios públicos, gigantografias, panfletos, folletos, catálogos nunca hojeados… Como la columna que Carrie escribía y que aparecía anunciada en una micro neoyorkina.
Y la moda está ahí. Mostrándonos una realidad en un subtexto propio. Llevando un guion como Rayuela de Cortazar. Con dos lecturas. O tres… Y escuchas hablar de la moda y no sabes que es lo que es realmente. ¿Qué está in? ¿Qué está out? Porque el sistema somos todos y todos lo sostenemos y tarde o temprano, como toda moda, pasará y será cíclica porque los procesos sociales no se detienen y la moda es social. Y la tecnología descubre nuevas conexiones, nuevas fibras, nuevas interfaces y la moda es resultado de procesos artesanales y tecnológicos, como el lenguaje, como la información. Y las culturas se montan las unas a las otras, se embarazan, se abortan, se reproducen, se casan y divorcian… Y la moda es un aparato cultural que nos muestra en tiempo real lo que sucede a nuestro alrededor, no como el arte… eso es otra cosa. Y la política, que es ese cumulo de decisiones que se toman en pro del colectivo, que es aquella que estructura y reestructura la sociedad y que se minimizó a un gobierno y un parlamento que, contrario al sistema, no lo sostiene nadie más que los poderes facticos. De esa política más pura nos olvidamos que el primer acto público al que nos enfrentamos a diario, es por ejemplo, salir vestidos a la calle, esa última capa humana se transforma en un argumento o en una respuesta porque vestirse es un acto político y la política es moda pura.
Por eso mismo, que tu polera cueste $2.990, no significa que una marca o una tienda te esté haciendo un favor, el favor te lo está haciendo un chino, al otro lado del planeta, con una máquina de coser que no se detiene, con un presidente comunista en un país que contamina como ninguno… pero eso ocurre allá, en otro lado, acá solo pasas la tarjeta y te olvidas de todo lo que simboliza lo que andas trayendo puesto