miércoles, 16 de abril de 2014

SANTIAGO D-MODA F/W 2014 Dia 2

Claudio Mansilla 2015

Mucho se ha dicho de Claudio Mansilla en este último tiempo, sus creaciones han ocupado paginas de papel impreso, papel digital,televisión,las redes sociales y el boca a boca que cada vez parece más mordaz en cuanto a la apreciación de un trabajo artesanal como el hecho en el taller de un diseñador cuya simpleza  debería ser un halago para quienes despotrican de sus creaciones.

En el segundo día de “Santiago D Moda”, Claudio Mansilla presentó parte de lo que es una colección en crecimiento para el invierno de 2015 y que como es costumbre en el Sr. Mansilla sigue incorporando piezas después de presentado la parte producida de una idea general. 

“...Un look masculino. La lúgubre princesa. Rock y nostalgia…” respondía el sr. Mansilla al ser consultado acerca de su colección, de donde provenía y como nutría a esta con un relato. Con una silueta declarada y abriendo con el bullado vestido usado por Srta. De Moras para su aparición en la inauguración del Festival de Viña, profuso en pedrería y cristalería bordada a mano en una colaboración del diseñador con la joyería Oliver Weber, se dio inicio a una serie de pasadas que confirmaba de un modo u otro las intenciones de Claudio para hacer una colección perenne y atemporal. Sus prendas, de muy buen corte y confección, podrían mezclarse sin problemas con otras provenientes de otro contexto. Así mismo, una paleta de colores acotada y diversa llevó al desfile a un dialogo breve pero recordable, como el uso de crepé celeste en una maxi capa o paño lana rojo presente en un abrigo entallado  con detalles en peletería blanca. Con influencias del  vintage y una mirada clásica en el vestir femenino, Mansilla aprovecha de marcar pequeños hitos que lo hagan reconocible.















Claudio Mansilla, como marca, posee atributos de sobra para alcanzar una plataforma que lo guie hacia nuevos clientes e inversores, posee calidad creativa y productiva, sabia necesaria para levantar un negocio cuya primera vanidad es lucir piezas únicas. Cuando ya pasan los vestidos celebres de la tv, queda recordar el nombre de quien los hizo para despertar la curiosidad e indagar en su creador, algunos se llevarían una grata sorpresa descubriendo el trabajo de un diseñador que ve su negocio más como un arte que como una empresa. 




TEXTO : @dinico_
FOTO:  @renedelacruzcl

martes, 15 de abril de 2014

SANTIAGO D-MODA F7W 2014 INAGURACION



KARYN COO ALTA COSTURA

Albergado en el Hotel Sheraton, Santiago D Moda dio inicio a su versión 2014 que consta de tres días de pasarela y cuenta con  diseñadores nacionales , quienes presentaran lo más nuevo de su trabajo.

El día inaugural estaba en manos de la diseñadora  Karyn Coo quien presentó su colección de Alta Costura profusa en texturas, asimetrías, materialidades, etc. A estas alturas, que la srta. Coo haya ganado en la competencia Project Runway es una carga cada vez más compleja de llevar. 

Desde un punto de vista, la popularidad inyectada alimenta un caudal comercial que ha sabido aprovechar, sin embargo la formula usada para llegar a ese podio a través de uni-propuestas pasa la cuenta cuando se trata de generar una colección con una historia de fondo que haya cautivado a la creadora.




“… Transparencias, telas volátiles… el movimiento como inspiración…” nos anunciaba Karyn Coo ,en entrevista,al finalizar su desfile, dándonos a entender su visión acerca de lo que es hacer alta costura en relación a la cantidad de tiempo dedicada a cada vestido “… Las grandes pasarelas tienen una idea más depurada, más tiempo para mostrar y materiales… Trato, dice Coo, de mostrar todo…”.  La colección en si misma era un cocktail visual, con elementos que hemos visto como un sello de la diseñadora, realce de los hombros, dureza en el corte, mixtura de materiales, uso de texturas ya sea aplicada en la costura así como diferentes tipos de brocados,  pedrerías e intervenciones con paños de lentejuela.




Virtud o no, que todo el trabajo sea parecido hace que todo lo desarrollado parezca una gran colección, el uso de colores neutros como el plata, el blanco hueso y el negro mate se vuelven a repetir esta vez en vestidos con el ruedo casi a piso o cortos casi al muslo con asimetrías en la seda usada. Así y todo conserva una silueta constante que habla también del rigor con que la sra. Coo mira a su colección.




Al final del día y guardando las distancias de la popularidad, el trabajo de Karyn Coo habla por sí solo, finalmente está produciendo como nadie, con una cartera de clientas que le son fiel, eventos para mostrar su trabajo y los focos de atención que le prestan tribuna para explayarse. Todo ese influjo es tan volátil como la moda misma y lo que al final perdura es su obra producto de su dedicación y es esa obra la que esperamos que evolucione, innove y genere un dialogo más profundo con el espectador.


 Texto : @dinico_
 Fotos: @renedelacruzcl






viernes, 7 de marzo de 2014

VISTE LA CALLE #vistelacallecatwalk



El gran comienzo del 2014.

Desde un tiempo a esta parte, la pagina de moda y tendencias Viste la Calle ha brindado ciertas pautas al quehacer de la moda local, estamos viendo como madura un sitio y como en esa evolución va dejando vestigios de ese crecimiento. De ese modo, el día miércoles 5 de marzo fuimos testigos de una pulcra puesta en escena albergada en el edifico Telefónica, que, en alianza con VLC, han desarrollado una valorable muestra en ese espacio.

Viste la Calle Catwalk es el evento que reunió a un grupo de diseñadores bajo la premisa de presentar una colección otoño invierno 2015, sin embargo lo que vimos eran presentaciones en el formato de micro colección que en algunos casos eran lo suficientemente potente para decantar en una colección amplia, vendible y usable.

El encargado de abrir la pasarela fue Paulo Méndez, quien llamó a su colección “Everything is Love” y cuyo trabajo fue hecho en exclusivo para este evento. Las piezas contenían en sí mismo un dramatismo espectacular y se hilaban como una conversación entre el amor y el sufrimiento. Paños negros mezclados en diferentes texturas y en una misma prenda daban cuenta de la conceptualización de la emoción, nunca el sufrimiento tuvo más matices que en esta generación. Usando organza de seda bajo arneses bondages de cuero, el Sr. Méndez nos llevó por la alegoría del amor y el desamor que se unían en un pálido y largo vestido con un ensamble de cuero en la parte superior. Para cerrar, la heroína de Paulo en vaporosa organza, se despojaba de todo negro para creer en la fantasía de que el amor, al final, siempre triunfa.



Sebastian del Real presentó una serie de looks cuyo hilo conductor era una paleta de colores acotada que iban dentro del negro, el plata y con matices en fucsia. Había un orden monacal en la presentación que habla del rigor con el que trabaja el Sr. Del Real, sin embargo la colección carecía de fortalezas, las piezas, de buena factura, contrastaban con una historia sin fondo. Lazos, borlas, nudos se mezclaban en looks que contenían buenas dosis en negro y fuertes quiebres en fucsia. Los maxi abrigos presentados eran viaje a otra fecha en contraste al resto de la colección, pequeñas joyas a las cuales no se les dio el lustre necesario.




Las influencias del “neo – vintage” de Rosita Tocornal podrían rastrearse hasta hace algunas colecciones atrás, entre el ensamblaje de estampados y el uso de paño grueso para prendas ligeras, cada pieza podría identificarse con otra hecha antes, sin embargo y con una silueta clara – sobre silueta u oversize- y una paleta de colores definida, Tocornal nos llevó por un recorrido donde abundan el collage textil como elemento de tensión en la propuesta. Sin dejar de ser sumamente sentadora, la ropa de Rosita Tocornal posee frecura y confort a simple vista, dos características que son tierra fértil para la continua creación.




Sin dudas, Martin J es un creador inagotable, sorprendidos por los primeros looks de su pasarela, reconocimos como su trabajo madura presentación tras presentación. “Universal Intimacy” era el nombre de la colección expuesta. Con un juego de texturas, Martin J nos hace ir en círculos para reconocer el paño bien cosido. Después de vaporosas texturas, con lanas y organzas, se vuelve a la deconstrucción como eje de la propuesta, sin embargo no es eso lo que debería llamarnos la atención, sino más bien la propuesta que está en el arrebol del diseñador. ¿De dónde se nutre Martin J? No lo sabemos a simple vista sin embargo su historia se cuenta a través de un styling sobre la pasarela tan potente como cada prenda.




Über Chic. Rodrigo Valenzuela. Presentando una colección exquisita, RVCouture disponía de recursos visuales tan potentes como perdurables, pantalones de corte deportivo con tacos blancos, abrigos de depurado oversize color algodón de azúcar con una falda perlada era la visión de lo moderno y usable dentro de la pasarela, con un trabajo que pareciese tan global que no se goza de la australidad a la que pertenecemos. Con un aire fresco y sumamente consecuente el Sr. Valenzuela decanta en una colección de bella factura y cuyo final estuvo a cargo de un par de vestidos que eran una alegoría a la perfeccion en sí mismo, el primero dorado, impactante y el segundo, bordado hasta el ruedo, blanco. Su colección mezclaba aires medievales, barrocos y futurismos, una mezcla con las dosis justa para provocar placer visual.




Con referentes ultra urbanos con acentos bohemios, Roberta nos lleva por una colección naif, con una gama de colores pasteles y una silueta constante y con muchos lugares comunes en una colección que, con una serie de estampados evocaba la liviandad y la sutileza que no logra cimentarse en una propuesta madura y bien acabada, con detalles en los calces, Roberta nos lleva de paseo dominical a un espacio que aun esta en desarrollo.




Detallista, con texturas de negros y un juego constante en las proporciones de cada look, Lupe Gajardo presenta su colección “Mujer sin Nombre”. Con diálogos de blanco y negro y rojos texturados sobre paños limpios. La identidad del “lady like” se renueva en una propuesta llena de matices y evocadora de situaciones en las que una mujer puede encontrar una solución estética fresca y viva en un creador local. Sin embargo, la diseñadora cierra su participación con vestido sacado de un contexto ambiguo cuyas cuerdas constreñían la modelo y la pieza para dar lugar a un look que se escapaba de lo bien hilada la colección.




Con el inmaduro ensueño de la alta costura foránea, Adolfo Fernández cierra el evento con una colección llena de referentes lejanos. Fantasías en blancos, champañas, lavandas y morados, Fernández se pasea por un discurso sin fondo pero con una frontalidad que asombra. Gasas y tules y un aun incipiente e instintivo manejo de proporciones, la colección en si misma declara un esfuerzo tremendo para llevar a cabo una idea escultórica del vestir con elegancia e innovación.



Sin lugar a dudas, abrir el año con un espectáculo de este nivel es un permanente desafío para  hacer las cosas bien en el escenario local. Cada creador es en sí mismo un universo propio con soluciones y visiones del acontecer que  transmiten a través de sus diseños. Como espectadores esperamos que cada uno crezca sin ataduras y que su trabajo refleje toda la pasión y el amor con que se hilvana cada pieza. Con el cada vez más solido Paulo Méndez. El trabajo y visión de Sebastián del Real. El work-in-progress  de Rosita Tocornal. La autenticidad de Martin J. El refrescante Rodrigo Valenzuela. La gracia de Roberta. El trabajo minucioso de Lupe Gajardo. El atrevido camino de Adolfo Fernández. Todos cuentan por si solos como el engranaje de la que hoy llamamos moda nacional, moda de autor, trabajo local. Cada uno trabajando en propuestas cada vez más solidas y potentes, propias y nuestras. Sin dudar, felicitaciones a todos.-


 Texto:  Nicolas  Castillo  @dinico_

  Fotos: Rene de la Cruz   @renedelacruzcl

jueves, 13 de febrero de 2014

ELOGIO A LO MASCULINO


Colección  Hombre. Otoño- invierno 2014 de Ignacio Lechuga.
Sombreros: Patricia Correa

“…Creo que lo bello no es una sustancia en sí sino tan sólo un dibujo de sombras ..."  
                                                                              El Elogio de la Sombra                                                                                          Junichiro Tanizaki

Con “El Elogio a la Sombra” de Tanizaki como pilar conceptual de la colección  y una fuerte inclinación a la sastrería más dura, Ignacio Lechuga nos presenta a modo de look book las piezas que conforman su propuesta para hombre de 2014. Con la colaboración de la artista del sombrero Patricia Correa y una historia que contar a través del relato visual que forman en su conjunto la colección, el señor Lechuga nos lleva por un camino cuyos claroscuros son la parte más atrayente del viaje.   

Fue la comunicación no verbal la que unió a ambos creadores, primero dialogaron las imágenes de sus trabajos, después los textos entre saludos y correos. Uno en Chile, la otra en Bélgica. Compartieron ideas, mandatos, relatos, partes del texto de Tanizaki hasta lograr una sincronía entre el trabajo de ambos. El accesorio se ponía a disposición de la colección. Todos los sombreros fueron inspirados  entre la norma del texto o la interpretación del señor Lechuga, dando un campo de acción importante a la creadora residente en Europa: “… Para mí no existen los blancos blancos ni los negros negros, existen los matices y viendo la colección de Ignacio noté que complementaba, que nos unificamos…”

Las prendas del señor Lechuga, de exquisito paño lana de origen local e impecable corte y confección son en sí mismos obras arquitectónicas sobre el cuerpo. Oriente siempre tiene mayor influencia sobre occidente y lo retrata esta colección. Líneas severas, una paleta de colores acotada de grises, marengos, ocres y negros en los abrigos y cuyas intervenciones estaban resguardadas bajo rigurosa matemática que solo el manejo de la sastrería entrega, como en aquellos abrigos donde el tejido a palillo entrega al paño lana un quiebre de color y textura y enaltece al mismo material en técnicas distintas. Innegable es la atracción que existe cuando se ven aquellos abrigos cuyo traslape de material a través de placas de tejido genera una curva que pareciese deformar al cuerpo propiciando justamente aquello que está oculto y entre las sombras. Los pantalones, que serán un sello de la técnica de Ignacio Lechuga, eran también de rico paño lana, suaves y entallados a la cintura con una curva que describe las piernas y un torniquete que aprieta las pantorrillas, no cabe duda que pronto los veremos circular fuera de pasarela y en la vida cotidiana.

La colección por si sola es un dialogo entre el presente y el pasado, la conceptualización y la emoción, la luz y la sombra. El Japón medieval y el Santiago del 2014 se mezclan en una declaración del producto de Ignacio Lechuga, que desde la emoción crea una historia masculina usable, limpia, sobria y profundamente identitaria.

Inspiradas en el esquema de iluminación que ya usó el flamenco Vermeer, las fotos resultantes justamente divagan entre el enigma y la certeza, siempre en una línea editorial ya establecida por el diseñador. El trabajo es el que manda.











Texto:  @dinico_


Creditos Produccion:
FOTO : René De la Cruz
DIR.ARTE : Nicolás Castillo
ASISTENTE FOTO: Armando Donoso y Midori Parra
MAKE UP + HAIR: Gonzalo Mella
VESTUARIO: Ignacio Lechuga
SOMBRERO: Patricia Correa
ASISTENTES VESTUARIO: Nicole Muñoz Y Gonzalo Araya
MODELO: Gian Venturini.
 

martes, 3 de diciembre de 2013

ZURITA. Pusi c´chakura Project. El peso conceptual del objeto.


Desde hace un tiempo que estábamos escuchando acerca de lo que el día jueves 28 recién pasado presentó Gabriela Farías, la mano creadora detrás de ZURITA. Albergados en la Estación Mapocho y con un público acotado se dio inicio a la exposición “Pusi c´chakura Project” que consistía en un desfile para luego, en una sala contigua, la visita a la instalación en la que yacía la muestra.

Con una propuesta audiovisual potente que servía como una introducción al desfile nos preparábamos para lo que estábamos  ver… claramente nada fuera del contexto que la Sra. Farías no haya  demarcado conceptualmente. Miradas hacia el norte, con manos trabajadoras y herederas del textil más puro, más explorado y más diversificado en esta parte de la América pre colombina y la América actual. A primera vista, el desfile comenzó con un ritmo que se mantuvo monótono de principio a fin, quienes esperaban ver barroquerias, brillantes o zapatos imperdibles, pues estaban errados en el lugar ya que el desfile fue  fiel a una estética purista y minimalista.

El concepto “ZURITA” se hizo presente en paños ligeramente intervenidos de alpaca, baby alpaca y paño de algodón orgánico, así como también, sentadores bombachos plisados que prontamente pueden transformarse en un must de esta fecha. Las costuras a la vista eran vestigios de esa misma amabilidad con el paño hecho a mano. Maxi tapados en colores pálidos, lavanda y alguno tintes rojos. Capas independientes en fibras nobles, la camiseta, una blusa y un tapado. El dramatismo de ZURITA es atemporal.

De la ropa de la Sra. Farías podríamos desclasificar largos documentos de carácter histórico, social, cultural, económico, político e incluso tecnológico. Hay una inquebrantable necesidad de sobreponer el discurso, haciendo de este el hilo conductor de una colección y siendo este más importante que la colección misma. Llena de subtextos, la ropa de ZURITA habla por sí sola. Cada capa, cada layer era una historia, una analogía de la historia misma de Latinoamérica que superpone personas, cuentos, culturas y gentes en un espacio, brotando desde adentro una sociedad pluralista pero infinitamente marcada. Las costuras, de calidad, rusticas a la vista, eran una visión de las cicatrices mismas de nuestra tierra y sus personas… cada cicatriz devela una historia personal, cada costura de ZURITA en el paño de alpaca devela otras arraigadas en la vida artesanal, altiplánica y latente.

Consecuente, sin segundas lecturas, ZURITA cuenta la historia del textil altiplánico donde un diseño está cargado de emoción, historia y realidad… no es que otra ropa diseñada por alguien no la tenga, solo que esta es nuestra, esta antes que nosotros y seguirá cuando nos vayamos. Ese influjo no lo solapó la llegada de Colon y su exterminio de la industria manufacturera india, no la mató la constitución del 80´ que dejó a nuestra industria desfavorecida ante el gigante asiático y tampoco la aniquilará el voraz retail que avasalla intentos creativos como este y el de muchos otros. ZURITA, a través de su propuesta toma una bandera de lucha donde la ropa surge con un ademan intelectual y que digámoslo, no es para todos.

ZURITA, independiente del influjo mercantil, crea un estilo vivo, que dialoga constantemente entre los usuarios y los artesanos, usándose a ella misma como tamiz, conectándolos con el origen de una prenda cuya historia se escribe a través de la urdimbre hecha con el telar de cuatro palos bajo el sol de Tarapacá y la trama de lo que hoy llamamos eco moda, moda ética o moda consciente… todos los conceptos, modas al fin y al cabo.-

 
  Texto:  Nicolas  Castillo  @dinico_
  Fotos: Rene de la Cruz   @renedelacruzcl


viernes, 15 de noviembre de 2013

LATIN TRENDS , HOY Y MAÑANA EN LA MODA LATINOAMERICANA



El día miércoles 13 de este mes, se dio lugar en la azotea de Parque Arauco el evento llamado a convocar a incipientes marcas de países latinoamericanos, Latin Trends. En el espacio convergían diseñadores argentinos, mexicanos y por supuesto chilenos con sus últimas propuestas y que de un modo u otro, al presentarse en el mismo espacio, dialogaban entre ellas y sus propios discursos armaban la historia que reflejaban las diferencias y similitudes en el hacer latinoamericano.

Urenko, de diseño argentino abrió el show con lo que podríamos llamar la deconstrucción del estampado sobre el gran paño y cuya influencia japonesa era visible a través del juego de mixturas textiles y cuerpos de prints, sin embargo fue un overol negro de textura plástica y corrugada el que dio el giro de la micro colección hacia un dialogo más oscuro e intimo casi comparable a lo que hizo Ackerman hace dos temporadas.


Inmediatamente después de Urenko, los argentinos de La Cofradía comenzaban su participación y mientras el primero entregaba un futurismo trasher la segunda intervención contestaba a través de líneas simples y severas donde el negro era el gran hilo conductor. Sin una silueta definida, La Cofradía se paseaba desde bucólicos estampados florales, blancos, negros, variedad de texturas e incluso, para cerrar, un leopardo bajo un abrigo camel. Sin filtro en sus influencias y sin una línea visual clara, La Cofradia entrega un dialogo sin peso ni armonía, sin embargo queda claro que en el avanzar y en el hacer ese tipo de detalles quedaran atrás.




Varanassi, de origen argentino al igual que los dos anteriores, entregó una serie de vestidos cuya apuesta era la diagramación del juego entre el blanco y el negro a través de intervenciones en el paño con bordados o estampados cuyo gran valor era lo usable de su ropa, sin embargo y a pesar todo, no había nada que podríamos considerar nuevo.



A de Antonio estuvo a cargo de la cuarta intervención y una colección en virtud del negro, cuyo esquema era roto por un grato tono salmon que se fundía con la colección y que inyectaba, de un modo u otro, frescura a la siempre densa propuesta del chileno. Sus referentes y sus intimidades quedaban abiertas en una presentación que entendía a una mujer “post – femenina” admiradora del confort. Los zapatos hechos a base de simples terraplenes de goma amarrados al pie con scotch grueso eran por si solos motivos de debate, si eran cómodos o no cómodos no era tan importante como el subtexto de su uso en pasarela. Siempre arriesgado.


Nadie pareciese que produce más que Karyn Coo, la quinta presentación. Dúctil, liviana, con carencias en el dialogo pero firme en la producción, siempre mezcla formulas del hacer ropa a su favor, emerge de lo básico a una propuesta fresca y nueva. Con un fuerte acento en las hombreras y la mezcla de texturas en uni tonos, la Sra. Coo se pasea en una silueta siempre favorecedora a la mujer actual y pone carácter a una propuesta sencilla. Los largos son determinantes en su colección donde juegan una dualidad entre el sobre la rodilla por delante y al tobillo por la espalda.



Potente conceptualmente y consecuente con su propuesta de principio a fin Quier se dio por enterada como una moda que piensa y que gesticula sin descanso a través del trabajo textil, con prendas reversibles y multi funcionales que generaban una arquitectura solida y atemporal. Con una paleta de colores que se apegaban a lo neutro y una silueta favorecedora hacían de cada look un pequeña protesta al hoy de la moda. Original y versátil, sus prendas se volvían independientes para entregar una posibilidad infinita de combinaciones y usabilidades.



Pineda Covalin se cimenta a cada aparición en la maestría de anudar y unir el paño individualmente impreso entregando diferentes y versátiles opciones. Suntuoso y nada parco, el paño de Covalin habla de entretención, frescura, siempre en verano, siempre resort. Se da por entendido que apunta hacia una mujer latina cuya sensualidad es tan libre como la seda misma.



Sebastian Del Real  fue quien prosiguió en esta maratón sin aire de la moda latinoamericana, usando telas rígidas en un principio y el plateado como conductor, presento una colección solemne, futurista y a la vez  actual, marcando precedente del ahora en el que hacer del diseño chileno. Lánguidas y bohemias, las maniquíes eran ciervos ataviados de un sueño entre el rosa y el plata, con varios tildes en los hombros y la mixtura de materiales que visualmente competían, supo manejar las dosis, incluso en el ultimo vestido que parecía enorme en una diminuta modelo se veía trendy y que claramente apuntaba a una clienta en particular. No genera una moda amplia el sr. Del Real, sino más bien acotada a un grupo exclusivo que sabe llevar una ropa con tintes globalizados.


Para finalizar, Maria Pryor se nutre de las influencias isabelinas para la construcción de su colección. Llena de detalles y bondades la argentina dictó cátedra en cuanto al significado del referente en una colección que es consecuente con su investigación. Vuelca el pasado a un futuro prominente, rescatando texturas y siluetas en riguroso blanco. Mezcla fantasía histórica con noches de fiesta.


Al final de la noche, el carrusel de diseñadores, dispares entre sí, con propuestas nuevas hacían gala de sus influencias fundidas en sus trabajos. Texturado por si solo, el quehacer latinoamericano es un constante ir y venir, zancadas hacia adelante y miradas hacia atrás para develar un futuro grácil y pronto a entrar a un circuito globalizado de lo que llamamos circuito de moda. Estos encuentros son también un momento para ver el estado actual de lo que hoy sucede en el ámbito creativo, falencias y virtudes en pro del crecimiento de una industria local que encuentra día a día en su producción raíces que se unen a otras para generar lo que hoy conocemos y vemos como moda latinoamericana.-

  Texto:  Nicolas  Castillo  @dinico_
  Fotos: Rene de la Cruz   @renedelacruzcl

martes, 12 de noviembre de 2013

12-na. LA DECONSTRUCCION DE EXPORTACION

“… Trabajamos con las mascaras proponiendo un nuevo juego. Desde el ritual, el vestuario y el acto co-creativo como medio para reciclar y reciclarnos. Al enmascararnos encarnamos otra personalidad que la posibilidad de reinventarnos y generamos conciencia de las diversas “mascaras” que tenemos en nuestra cotidianeidad. Esto es una invitación a indagar en nuestras propias mascaras…”.
Así, con esas palabras, la dupla creativa argentina 12na se enfrentaba a través de una instalación a su público chileno en el espacio MM2 de Avenida Italia y que traía consigo todo el espíritu creador que esta marca arrastra por doquier.
Con una depuración del concepto Moda y el trajín constante de la deconstrucción en la indumentaria, el grupo presentó una serie de mascaras y su rol ético en el vestir actual: “… Para mí la deconstrucción es eso… que una prenda se desarme sin perder su identidad de prenda…” decía Mechi Martinez, una de las cabezas de 12na mientras mostraba lo dúctil de una polera de piqué de cuello camisa transformada en una falda y un top para la colección 12nanos que va enfocada a niños.
Desde un punto de vista sin ambigüedades la marca propone una guerrilla urbana a través del vestuario cuyo rol fundamental es la permeabilidad de estilos generando otros como si fuese la reconstrucción de la construcción y este juego de palabras se debe a que la materia prima de la plataforma creativa, no es otra que ropa de segunda mano.
Decía en el 98´ Margiela al ser consultado por la ropa “… La ultima capa…” contestaba  a través de un fax y es justamente como se adhiere este tipo de lenguaje, el lenguaje de 12na, al contexto actual de la moda latinoamericana como producto de exportación. Prontos a lanzarse en Japón, 12na ensambla vestuarios alguna vez desechados convirtiéndolos en productos deseados,  por lo mismo, que la última capa sea de un material que alguien no quiso habla de un proceso creativo arduo y meticuloso así como también enraizado en el quehacer del diseño en esta parte de América.

Como en toda moda, hay un contexto político, económico, social y tecnológico que guía los resultados de esta y 12na propone, en un subtexto claro que nuestra realidad productiva es amable, flexible y rigurosa, así como también altamente sensible y permeable  a los cambios culturales que cada creador pasa por pertenecer a un territorio particular.- 






 TEXTO : NICOLAS CASTILLO   @dinico
FOTOS: RENE DE LA CRUZ         @renedelacruzcl